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20 de October de 2007 admin Posted in Arte |

Por eso de lo del 10 aniversario. Bueno, yo se lo he oído decir en la radio a la responsable de prensa del Museo de Titanio. Es la información que tengo.
Y para amenizar el blog, ahí va la crónica que he escrito de la expo “Art in the USA”. 5.500 caracteres que van a alegrarte el día, estoy seguro. Aaaaay, qué haríais sin mí…

Una grandísima nación
Un gran retrato de un desafiante George Washington abre la muestra. La factura pictórica es tosca, nada que ver con los retratos de grandes monarcas europeos de la época. La grandiosidad, el orgullo, y una relación amor-odio con la política y la cultura de Europa son algunas cuestiones de esta exposición, nacionalista a más no poder.

La exposición ocupa un gran espacio del museo. Y es que todo parece enorme en “Art in the USA. 300 años de innovación”. Hasta el vasto museo de Bilbao, aun dedicándole dos de sus tres plantas, parece que no puede contener todas las obras de la muestra, y en algunos lugares el amontonamiento puede llegar a aturdir al visitante. Grandes retratos en los tiempos de la declaración de la independencia, grandes paisajes en la época de la colonización del Oeste, grandes formatos en los años pop, grandes instalaciones contemporáneas también. Este articulo se va a centrar más en la parte histórica de la colectiva, hasta mediados del siglo XX. Los 300 años de arte y de historia que se reflejan empiezan con la guerra de la Independencia contra Inglaterra, periodo en el que los grandes retratos al óleo son resultados de la influencia cultural que ejercía la misma metrópolis contra la que luchaban los rebeldes, pero sin el lujo y el barroquismo de los ingleses. Los artistas americanos de esta época, puritanos, pintan de una manera tosca, naïf, se supone que pretendidamente diferente, de una manera orgullosamente nueva. No hay aquí joyas ni cetros ni tronos, sino miradas duras y simbolismos de un nuevo Estado: banderas, águilas,… como se puede ver en el otro retrato de George Washington de la muestra, pintado por Stuart, famoso por su reproducción en los billetes de un dólar.

A medida que avanzamos en el lineal recorrido desde el pasado hasta nuestros días, llegamos a la era de la colonización. La naturaleza inabarcable es ahora la protagonista. Diminutos rastros humanos, como personajes que casi no se ven a simple vista, o una fogata lejana, se pierden entre volúmenes inconmensurables de llanuras, agrestes montañas, cielos encapotados, etc. En general, imágenes que justifican la misión “divina” de colonizar esas tierras salvajes. También la noción del fin crepuscular de la civilización de los anteriores moradores de ese paraíso, los salvajes nativos. Los cow-boys son retratados como el nuevo paradigma de la personalidad del nuevo país.

Llega el siglo de la modernidad y vemos cuadros impresionistas americanos, demostrando que toda relación con Europa no ha sido hostil. Estados Unidos ha estado abierto a influencias: hay ejemplos de surrealismo, constructivismo, … movimientos que nacieron en el viejo continente a principios del Siglo XX y que contaron con sus homónimos en USA. Cosmopolitismo y nacionalismo se dan la mano en esta era que han catalogado entre 1880 a 1910. Estados Unidos busca un lugar en el mundo como potencia mundial. Tenemos cuadros de temas urbanos, de barcos de vapor, se intenta retratar el trepidante ritmo de las nuevas ciudades, modernos focos de inmigración, como lo harían los pintores de la escuela Ash Can (“Cubo de basura”). Quieren retratar la calle de atrás, los gatos rebuscando en la basura, huyendo del acartonamiento, buscando una ideología y un arte –otra vez- puramente americano.

Es interesante ver cómo se adaptan aquí los estilos que en Europa buscan alejarse de la realidad, como el surrealismo, para mostrar una sensación que en USA era muy real. Me refiero a los cuadros de la era de la Gran Depresión, una triste granja abandonada y ruinosa parece pintada por Miró. Es decir, los americanos amaneran el surrealismo para plasmar su mensaje. Manteniendo una relación más coherente entre la ética y la estética, un ejemplo de expresionismo “alemán” representa escenas de la vida nocturna de Harlem. Se trata de un cuadro en rojos y negros, “Saturday Night”, en el que aparecen figuras en un cabaret, pintado por el afroamericano Archibald j. Motley. Georgia O’Keeffe también muestra un cuadro basado en formas geométricas, un paisaje inquietante, nocturno.

Será en la siguiente era donde surja el genuino y nuevo sabor americano: el expresionismo abstracto. Vuelta a lo abstracto como reacción al figurativismo, sospechoso de propagandístico y reaccionario. La pintura abstracta como arte de la democrática libertad de expresión. Aprendices y herederos culturales de artistas europeos que huyeron de las Guerras Mundiales, como el surrealista alemán Max Ernst, por ejemplo, los pintores del género del que más orgullosos están los yankis vivieron en un contexto cultural, y también económico, que propició la emergencia de New York como la capital mundial del arte moderno, desbancando a una Paris en ruina económica tras la II Guerra Mundial. Fue entonces cuando se creó la colección Guggenheim. Peggy Guggenheim, hija de Solomon R. Guggenheim, empezó a exponer obras de arte moderno con algunos amigos, como Marcel Duchamp. En New York están preparado el 50 aniversario de su Museo Guggenheim.

El desarrollo del expresionismo Abstracto coincidió con la transformación de Estados Unidos en una gran potencia internacional. De repente, con la figura del superpintor Jackson Pollock, el artista es más genio que nunca, un solo gesto suyo aleatorio crea una gran pincelada trascendental.

Para concluir la muestra, tenemos las salas de a planta baja repletas de arte de finales de Siglo XX y XXI, con estilos y obras que los que han visitado el museo reconocerán: Andy Warhol, Robert Roschenberg, Dan Flavin, Jean Michel Basquiat, Keith Haring, Kara Walker, etc.